Master Arts plastiques

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Pierre Garcia - Séminaire sciences de l’art

Autour d’une écologie de l’art

Faire œuvre, nous le savons, c’est toujours produire une forme : la forme d’une installation, d’une sculpture, d’une image.... Les arts plastiques, les arts du plastikos, du modelage ; l’étymologie de notre discipline en atteste : nous sommes d’abord des modeleurs de formes.

Nous sommes, cependant, peut-être moins attentifs à une autre forme qui nous est propre : celle de ce que nous engageons vis-à-vis du monde qui nous entoure. Que touchons-nous alors de celui-ci ? Pour qui et pour quel projet ? Comment et pour quelles valeurs ? Notre travail est-il seulement décoratif ? Engagé ? Destiné à tous ? A quelques-uns ?... Quelle forme sociale est ainsi la nôtre ?

Il s’agira donc, tant à travers une production plastique que sa réflexion, de tenter de comprendre comment votre travail se lie à son environnement, de développer votre intelligence comme votre exposition de ce que l’on pourrait appeler une écologie de l’art : la place que l’art prend dans notre maison commune.

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Richard Leeman - Séminaire d’histoire de l’art contemporain

Le séminaire s’adresse aux étudiants du master recherche d’arts plastiques et du master Patrimoine et musée. Il consiste en la préparation d’une exposition à la galerie 5UN7 sous la responsabilité de Marc-Henri Garcia, directeur artistique de la galerie et commissaire d’exposition, et de Richard Leeman.Le travail consiste en des séances de workshop (4 heures chacune), durant lesquelles sont abordés la conception, la thématique, le choix des artistes (parmi lesquels pourront éventuellement figurer des étudiants), la scénographie. Des séances de travail spécifiques sont consacrées à la mise en pratique des métiers de montage et de régie, à la mise en pratique des outils et services de médiation et de communication. Point culminant : l’accrochage et le vernissage ont lieu mi-décembre, l’exposition dure un mois.

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Pierre Baumann – Séminaire arts plastiques – recherche-création

Écologie et mésologie de l’art. Ce séminaire, construit en étroite relation avec le séminaire de master 2, tient en deux points. Il est premièrement sous-tendu par une question de fond : comment mettre en œuvre une recherche plasticienne, pratique à l’appui ? Deuxièmement, comment penser les rapports entre une production artistique et son environnement ? Il s’agit tout autant de questionner les méthodes de recherche en arts que d’investir quelques modèles fondamentaux, le biotope de Brancusi comme point de départ, mais aussi plusieurs ensembles de référence qui permettent de revenir sur les principes fondamentaux d’une écologie de l’art.  La méthode de l’exposé prend appui sur la présentation de tables (2,5x2,5m) de recherche sur lesquelles est disposé de manière organisée un ensemble de ressources diverses, ouvrages, publications, objets et autres documents, permettant de développer, sur le modèle de l’ars memoria, ad libitum un parcours de pensée. Chaque item posé sur la table est alors discuté pour ce qu’il est et en relation aux autres items. Ce séminaire se laisse également la possibilité d’introduire des expérimentations récentes ou autres éléments improvisés selon les circonstances et les apports qui se dégagent au fil des échanges avec les étudiant.e.s.

Le séminaire est évalué à partir d’une présentation d’une table de recherche élaborée par l’étudiant.e à partir d’un des axes proposés pendant le semestre. Ce séminaire implique également les étudiant.e.s dans des protocoles de recherche spécifiques en cours (workshop, phases de terrain, publication, etc.) et font régulièrement l’objet de micro éditions de restitution, autoproduites.

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Marie Escorne - Séminaire arts plastiques

Ce séminaire propose d’analyser des œuvres à partir d’une thématique différente chaque année. Prenant des formes variées (sculpture, intervention, installation, performance), les créations sont abordées d’un point de vue plasticien (quels médiums, quels outils, quels gestes, quelles intentions… ?) enrichi de références théoriques. Il s’agit ainsi de montrer qu’une recherche en arts plastiques s’élabore en croisant les regards et les disciplines sur un objet d’étude. Afin de plonger les étudiant·e·s dans une dynamique de recherche et de création, il leur sera proposé de réaliser des textes, entretiens et réalisations plastiques qui viendront enrichir les discussions et la réflexion autour du thème choisi.

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Bertrand Prévost : Séminaire esthétique et sciences de l’art

Ce séminaire de M1 est principalement consacré à la présentation - et à la discussion avec les étudiants - d’un certain nombre d’hypothèses et de lignes de recherche quant à la question cosmétique : on entend par là l’ensemble des pratiques humaines relatives à la parure et à la décoration. L’immensité du domaine exploré suppose une multiplicité d’approches : esthétique, anthropologique, philosophique, économique voire juridique. Les dernières années ont notamment tourné autour de la notion de trophée, soit l’articulation entre la capture (la prise – guerrière ou non) et parure (le port). Nous envisageons désormais pour les années à venir d’essayer de toucher l’horizon même de ce travail, à savoir : une esthétique des possessions, conditionnée par l’exploration d’une métaphysique de l’avoir, et engageant un élargissement du domaine cosmétique (le nom, la maison, la signature…).

Modalités d’évaluation : précisées en début de séminaire (le plus souvent un travail de lecture sous forme de compte-rendu critique).

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Pierre Sauvanet - Séminaire esthétique

Modalités : ce séminaire est mutualisé avec le Master Recherche Musique 2ème année.

Le séminaire (comme son nom l’indique) est conçu comme un espace d’échange de savoirs, entre enseignant et étudiants, et entre étudiants eux-mêmes. Il alterne volontairement entre une part de type CM (cours théorique de l’enseignant) et une part de type TD (présentations diverses des étudiants).

Les modalités d'évaluation sont précisées dès la première séance, en même temps que la bibliographie : les étudiants sont invités à interpréter le thème du séminaire en se l'appropriant (sous forme d'exposé oral ou d'essai écrit) à travers un sujet précis (œuvre, artiste, courant, etc.). Le thème choisi (voir ci-dessous) est suffisamment large pour permettre un investissement en termes de sujet pour l’étudiant.

Thème récurrent, avec modifications annuelles : Les relations entre les arts

 « Pourquoi y a-t-il plusieurs arts, et non pas un seul ? » (J.-L. Nancy). De fait, l’art au singulier n’a rien d’une évidence. Il y a d’abord des pratiques humaines, il y a ensuite plusieurs arts, qu’on peut dire beaux ou non, et il y a enfin la pensée d’un art comme concept commun qui recouvrirait ces pratiques, dont les relations sont toujours à repenser, aujourd'hui comme hier.

Mais selon quel paradigme ? Fusion ou tension ? Correspondances ou différences ? Idéal de l'œuvre d'art totale (Gesamtkunstwerk) ou simple mélange des genres et des techniques ? À cette logique d'apparence binaire, on tentera de substituer une grille à plusieurs entrées, fidèle à l'idée d'une esthétique générale comparée.

Après une introduction autour du dit « septième art » (pourquoi ce chiffre ?), on abordera successivement : les enjeux historiques et théoriques des relations interartistiques (ut pictura poesis, paragone, Laocoon...), les relations externes (entre peinture et musique au XX^e siècle : Kandinsky/Schönberg, Pollock/Coleman, Morellet/Reich…), les relations internes enfin (avec le cas particulier de certains « polyartistes », tels Klee, Michaux, Cage…).

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La compétence transversale « documentation » proposée dans l’offre de formation de l’Université Bordeaux Montaigne vise à doter les étudiants des outils indispensables à la réalisation du mémoire, mais également plus largement à approfondir leur maîtrise des compétences informationnelles, désormais indispensables à tout citoyen. Cet enseignement comprend deux séries de séances, qui ont lieu respectivement au premier et au second semestres (3 heures au S1, et 3 heures au S2).
Les séances permettront d’approfondir la méthodologie et la recherche documentaire, de revoir les attentes en matière de normes de présentation d’un mémoire universitaire et d’une bibliographie, de proposer aux étudiants de faciliter leur travail de rédaction par la maîtrise de la feuille de style (word, open office, libre office). Par ailleurs, ils découvriront un outil de gestion bibliographique : Zotero permettant de rassembler, organiser leurs ressources documentaires et de générer automatiquement des références bibliographiques.
L’évaluation repose sur un examen au S1 ainsi qu’un autre au S2 permettant de vérifier la maîtrise de ces compétences à partir d’une recherche effectuée sur un sujet fourni. Il n’y a pas de session de rattrapage pour la documentation.

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Ce cours, destiné aux étudiants en arts et en design (arts plastiques, artiste intervenant pratique artistique et action sociale, illustration et design), consiste en la présentation détaillée des prérequis méthodologiques nécessaires à la rédaction d’un mémoire de Master 1 et de Master 2. Il s’agit tant de recommandations sur la dynamique de recherche à mettre en œuvre, que des prescriptions techniques et académiques requises pour bien construire son mémoire (normes rédactionnelles, éthiques et usages des références, etc.).

L’enseignement est assorti de témoignages de doctorants et de rappels techniques sur l’utilisation des logiciels de mise en page (Indesign), ainsi que d’une approche simplifiée des techniques de reliure (fabrication d’un dos-carré-collé).

L’étudiant.e est évalué.e sur un dossier qui met en pratique les acquis du cours.

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Ce cours commun aux M1 et au M2 tient en trois points. Un, il n’est porté par aucune thématique prédéfinie, consiste toutefois à questionner quelques-uns des grands enjeux d’actualité et la place que tient la pensée artistique. Deux, il est composé de 6 séances de 3 heures portées par des intervenants différents, enseignantes et enseignants chercheurs, artistes, actrices ou acteurs du monde de l’art, spécialistes divers. Trois, chaque année les interventions diffèrent, s’actualisent et profitent ainsi à l’ensemble de la formation, M1 et M2.

 L'évaluation porte sur une "réponse" à un ou plusieurs enjeux soulevés dans le cadre du cours rassemblée dans un document pdf (texte et/ou production formelle analysée sont possibles)

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ATELIER 1 : Pierre Baumann

Cet atelier de pratique artistique prend appui sur les acquis de licence et doit permettre à chaque étudiant.e de dégager les schèmes fondamentaux de sa démarche de création pour lui permettre de la développer de manière indépendante et maîtrisée. Il prend appui sur une bonne connaissance de l’actualité artistique et s’adosse à un travail collectif de conception d’une exposition de restitution. Il rentre en correspondance avec les cours de séminaire et cherche à exploiter les réflexions conduites sur les enjeux d’une recherche plasticienne. Il prend appui sur une bonne maîtrise des techniques (ouvertes à tout médium) et des méthodes d’analyse plasticiennes.

Les étudiant.e.s ont la possibilité de prendre part à des projets spécifiques tels que workshop ou autres processus d’expérimentation. La méthodologie mise en œuvre prend appui sur une progression développée sur les quatre semestres. Elle vise à graduellement au semestre 1 :

- à partir d’une phase propédeutique de permettre de caractériser une activité artistique individuelle et forte, de définir un ensemble de savoirs techniques afin de les consolider le cas échéant, de la situer conceptuellement et d’ouvrir un ensemble d’axes expérimentaux à investir ;

- mettre en œuvre un ensemble d’expériences de création autonomes, de les comprendre et les situer (notamment à partir d’un croisement systématique entre productions formelles et différentes formes discursives : texte, oral, schéma, diagramme, démonstration visuelle, etc.) ;

-  tenir compte des conditions d’exposition et de scénographie du groupe (grâce au travail fait dans la salle d’exposition Alban Denuit de l’UBM).

Évaluation à partir d’une méthode progressive de notations intermédiaires.

ATELIER 2 : Narmine Sadège

Cet atelier interdisciplinaire a pour but de permettre aux étudiants de développer et maîtriser une pratique personnelle forte de recherche-création plasticienne. Conçu comme un espace libre de réflexion et de production artistique, il est aussi un espace d’échange d’idées et d’expérimentations.

La préparation ainsi que la réalisation d’une exposition présentée à la fin du semestre constituent la colonne vertébrale du programme. C’est à partir du thème de cette exposition choisi par l’ensemble des participants que vont se développer l’essentiel des investigations. L’objectif sera d’aboutir progressivement à des réalisations au plus près d’une exigence professionnelle, tout en prenant en charge parallèlement des démarches annexes telles que la scénographie et la médiation.

Les séances d’atelier visent à enrichir les connaissances indispensables sur les problématiques clé de l’art actuel, au travers des discussions de groupe qui permettront une réflexion critique sur les réalisations individuelles de chaque participant.

L’exposition sera suivie d’un dialogue entre les exposants et un.e artiste ou un.e critique invité.e pour permettre à chacun.e de défendre ses créations au cours d’un débat public.

Des mini-projets annexes rendront possible la mise en pratique des méthodes et protocoles expérimentaux tels que le readymade, ou la pratique du hasard, etc., pour élargir le champ d’approche et découvrir des territoires inexplorés.

Parallèlement des workshops permettront aux étudiants de mieux maîtriser le discours sur leurs propres réalisations.

Un voyage pédagogique permettra de découvrir des œuvres importantes de la scène contemporaine ainsi que des lieux de recherche et de documentation de l’art actuel (en l’occurrence le Centre de documentation du Musée National d’Art Moderne au Centre Georges Pompidou à Paris). Il créera en outre un esprit d’équipe et une ambiance de convivialité indispensables pour réussir l’ensemble des projets

Modalité d’évaluation : la note d’évaluation prendra en considération l’ensemble des réalisations et activités des participants dans le cadre du programme.

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Ce cours permet de préparer le projet développé au deuxième semestre.

Chaque étudiant.e choisit au moins une phase projet parmi celles (le cas échéant) proposées par différents enseignant.e.s de la formation.

L’implication dans chaque projet se fait sous forme de réponse à appel à participation.

Voir présentation du travail sur projet au S2.

La présentation des projets change chaque année en fonction des propositions des enseignants.

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Durée : entre 2 à 6 semaines

Le stage, défini et préparé avec l’équipe enseignante doit permettre à l’étudiant·e d’acquérir une meilleure connaissance du milieu artistique par un rapprochement avec des artistes, des acteurs du monde de l’art, centres d’art et autres institutions, ou avec le monde de la recherche en art.

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Deux phases projet sont conduites au cours du master, une au S2, une au S3.

Le principe général de cette pédagogie par projet consiste à mettre chaque étudiant.e dans des conditions concrètes d’expérimentation de la recherche en arts, souvent guidée par une forte dimension pratique, recherche-action, recherche-création, mais aussi théorique.

Toutefois selon les années et les porteurs du projet (enseignant.e parfois accompagné.e d’artiste, de critique ou autre actrice ou acteur du monde de l’art) les dispositifs peuvent varier : workshop, phases de terrain, collaboration avec une institution, immersion dans un programme de recherche existant, etc. La dimension expérimentale y est privilégiée.

Néanmoins chaque projet a pour vocation de permettre aux étudiant.e.s d’acquérir de bonnes méthodes de recherche et de nourrir leur esprit d’investigation, d’expérimentation et d’analyse, ainsi qu’une forte aptitude à travailler en équipe.

Peut ainsi s’y déployer tout l’appareil critique de la chercheuse ou du chercheur en art, tant sur le plan pratique que théorique, autrement dit, au sens large : savoir FAIRE de la recherche en arts.

Chaque étudiant doit prendre ainsi part chaque année à au moins une phase de projet (plusieurs peuvent être proposées par différents enseignant.e.s).

Chaque projet est rythmé par une phase de préparation (réunion, tests, repérages, rencontres ou conférences préliminaires), un développement du projet et une phase de livraison (de forme variable : édition, micro-édition, exposition, site web, etc.).

Les éditions peuvent être, selon les cas, adossées à la collection « Un artiste / des étudiant.e.s.

L’étudiant.e est évalué.e sur l’ensemble de son implication.

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ATELIER 1 : Pierre Baumann

Ce semestre prolonge la méthodologie mise en place au premier semestre :

- les activités de création sont intensifiées et développées de manière plus autonome ;

- cette activité individuelle est consolidée par l’élaboration d’un « dossier de travaux », adossé à la conception d’un site web personnel ;

- Afin de renforcer une bonne connaissance de la mise en pratique de la recherche, les étudiant.e.s prennent part à différentes sessions pédagogiques et / ou de recherche souvent guidées par des expériences de terrain ou sont impliqués dans les diverses actions de présentation de la recherche (colloques, journées d’études, publications, expositions), adossés à différents partenariats et programmes de recherche.

- travail de conception d’une exposition de restitution des travaux conduits par chaque étudiant.e sur le semestre, en partenariat avec une institution artistique (FRAC, etc.). Ce travail procède à une analyse des différentes productions artistiques élaborées par le groupe, pour définir une problématique d’exposition et une méthodologie qui guident l’ensemble des pôles qui permettent la conception de cette exposition : argument, recherche d’un lieu, scénographie, production des pièces, appareil critique, éléments de communication, gestion du budget, médiation et édition de restitution.   Évaluation à partir d’une méthode progressive de notations intermédiaires.

ATELIER 2 : Narmine Sadege

Cet atelier prolonge le programme du premier semestre permettant d’avancer dans des expérimentations déjà développées. 

Le programme des activités sera très similaire à celui du premier semestre mais une plus grande maturité sera attendue dans l’ensemble des approches. Il y aura ainsi la prolongation des activités suivantes :

- recherche-création en vue de la réalisation des projets pour l’exposition et l’approche de la scénographie et la médiation ;

- dialogue public entre les étudiants et un.e artiste ou un.e critique invité.e sur les travaux exposés

- workshops pour développer un discours personnel sur les travaux réalisés ;

- un voyage pédagogique et des visites des expositions;

- découverte des œuvres importantes de la scène actuelle et discussion autour de leurs problématiques.

A la fin du deuxième semestre, les étudiants travailleront sur leur dossier individuel de réalisations pour un portfolio numérique destiné à la publication sur internet.

Modalité d’évaluation : la note d’évaluation prendra en considération l’ensemble de réalisations et activités des participant dans le cadre du programme.

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Le cours d’espagnol ne s’adresse pas à des débutants. Il faut déjà connaître les bases de la langue afin de pouvoir comprendre et s’exprimer. Le cours proposera, d'une part, la découverte de pratiques artistiques diverses observées dans le monde hispanique (Espagne et Amérique Latine) ; d'autre part, il visera à renforcer le niveau de langue des étudiants, en leur fournissant les outils linguistiques nécessaires pour s’exprimer et mettre en avant leurs propres compétences et pratiques face à des locuteurs hispanophones.
La clase de español no es para principiantes. Hace falta conocer las bases de la lengua para poder entender y expresarse. La clase propondrá, por una parte, el descubrimiento de prácticas artísticas diversas observadas en el mundo hispánico (tanto en España como en América latina) y, por otra parte, el trabajo en clase tendrá el objetivo de mejorar el nivel de lengua de los estudiantes, transmitiéndoles las herramientas lingüísticas necesarias para que puedan expresarse y destacar sus propias competencias y prácticas frente a locutores hispanohablantes.
MCC : Les modalités d'évaluation consisteront en une moyenne de deux notes : une note d'oral (exposé et participation) et une note d'écrit à partir d'un devoir sur table. Le travail fourni tout au long du semestre sera pris en compte, quel que soit le niveau en espagnol des étudiants, à condition qu'ils ne soient pas débutants. 
Las modalidades de evaluación consistirán en una promedio de dos notas: una nota de oral (ponencia y participación) y una nota de escrito a partir de un trabajo en clase. Se tomará en cuenta el trabajo realizado a lo largo del semestre, cualquiera que sea el nivel en español de los estudiantes, con tal que no sean principiantes.

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 « Globalisation de l’art 1 ». La globalisation de l’art est à la fois une notion significative dans le discours sur la politique culturelle d’aujourd’hui, et un sujet de controverse dans le monde artistique depuis le début du XXIème siècle. La grande originalité de ce cours est le contenu théorique combiné à son expression linguistique entièrement en anglais (technique d’immersion), langue par excellence de la globalisation. Repères historiques et conceptuels de la globalisation géopolitique, ainsi que de la globalisation de l’art. Etude et analyse esthétique des « global artists » anglophones internationaux. Connaissance des controverses et des éléments de débat autour du sujet.
Pratique orale adaptée aux arts plastiques, en deux niveaux et en petits groupes. Participation active en cours. Réflexion et préparation des discussions. Recherche de ressources anglophones, notamment artistiques et médiatiques, et synthèse en exposé structuré. Travail individuel en dehors du cours sur des points artistiques et linguistiques spécifiques.
Objectifs : Réflexion sur les problématiques de la scène artistique internationale, à travers l’étude des : textes critiques en anglais, débats, présentations audiovisuelles. Acquisition du vocabulaire artistique en anglais, afin de faciliter une aisance fonctionnelle en expression orale. Analyse critique et distanciée.
MCC : 3 Notes : Oral ; Écrit ; Global

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Le mémoire constitue le noyau dur de la formation. Il permet d’expérimenter et d’attester des bonnes aptitudes à mettre en pratique un projet de recherche en arts tout en ayant une bonne connaissance de l’environnement professionnel du monde culturel.

 Le mémoire de master 1, généralement composé d’environ 60 000 signes, a pour vocation de déterminer avec précision l’objet de recherche et sa méthode. L’étudiant.e est encadré.e par une ou un directeur de recherche attribué sur la base du projet de l’étudiant.e et adapté à la méthodologie qu’il ou elle souhaite mettre en œuvre : approche plasticienne, en esthétique, en science de l’art ou encore en histoire de l’art.

La liste des enseignantes et enseignants chercheurs susceptibles d’encadrer les mémoire se trouvent à l’adresse suivante : https://www.masterarts.fr/enseignements/

 Il s’agit de :

· Savoir choisir un premier thème de recherche en arts, et le transformer en un véritable sujet, par une problématisation poussée ;

· Analyser les documents nécessaires à sa propre recherche, en faisant la différence entre une information toute faite et une culture personnelle ;

· Maîtriser la production écrite d’un texte théorique (au sens des sciences humaines), sous la forme d’un mémoire de recherche d’une trentaine de pages en M1, d’une centaine de pages en M2, donnant lieu à soutenance devant jury.

· Être à même d’exploiter ses propres expériences de création comme outil moteur expérimental analytique de recherche, non pas pour faire un travail de recherche sur son propre travail, mais avec.

 L’évaluation se fait sous forme de soutenance devant un jury.

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Ce cours commun aux M1 et au M2 tient en trois points. Un, il n’est porté par aucune thématique prédéfinie, consiste toutefois à questionner quelques-uns des grands enjeux d’actualité et la place que tient la pensée artistique. Deux, il est composé de 6 séances de 3 heures portées par des intervenants différents, enseignantes et enseignants chercheurs, artistes, actrices ou acteurs du monde de l’art, spécialistes divers. Trois, chaque année les interventions diffèrent, s’actualisent et profitent ainsi à l’ensemble de la formation, M1 et M2.

 L'évaluation porte sur une "réponse" à un ou plusieurs enjeux soulevés dans le cadre du cours rassemblée dans un document pdf (texte et/ou production formelle analysée sont possibles).

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Reprenant la méthodologie et les objectifs du projet tel qu’il est d’abord initié au S2 (M1), pour rappel, le principe général de cette pédagogie par projet consiste à mettre chaque étudiant.e dans des conditions concrètes d’expérimentation de la recherche en arts, souvent guidée par une forte dimension pratique, recherche-action, recherche-création, mais aussi théorique.

Toutefois selon les années et les porteurs du projet (enseignant.e parfois accompagné.e d’artiste, de critique ou autre actrice ou acteur du monde de l’art) les dispositifs peuvent varier :  workshop, phases de terrain, collaboration avec une institution, immersion dans un programme de recherche existant, etc. La dimension expérimentale y est privilégiée.

Néanmoins chaque projet a pour vocation de permettre aux étudiant.e.s d’acquérir de bonnes méthodes de recherche et de nourrir leur esprit d’investigation, d’expérimentation et d’analyse, ainsi qu’une forte aptitude travailler en équipe.

Peut ainsi s’y déployer tout l’appareil critique de la chercheuse ou du chercheur en art, tant sur le plan pratique que théorique, autrement dit, au sens large : savoir FAIRE de la recherche en arts.

Chaque étudiant doit prendre ainsi part chaque année à au moins une phase de projet (plusieurs peuvent être proposées par différents enseignant.e.s).

Chaque projet est rythmé par une phase de préparation (réunion, tests, repérages, rencontres ou conférences préliminaires), un développement du projet et une phase de livraison (de forme variable : édition, micro-édition, exposition, site web, etc.).

Les éditions peuvent être, selon les cas, adossées à la collection « Un artiste / des étudiant.e.s.

Les expérimentations conduites au S3 donnent lieu au S4 à un travail de restitution.

L’étudiant.e est évalué.e sur l’ensemble de son implication.

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Enseignant : Pierre Baumann

Ce troisième semestre de pratique artistique a pour objectif la consolidation des acquis du master 1 et une ouverture renforcée vers les activités concrètes et professionnelles d’un.e plasticien.ne et ou d’un.e chercheur.e en arts. Reprenant la méthodologie de première année, ce cours introduit la réponse à des appels à projet de résidence d’artiste ou de recherche. II s’agit donc sur le semestre :

- de poursuivre la production plastique et de consolider son questionnement ;

- de renforcer la conception du « dossier de travaux » et du site web de chaque étudiant.e

- de prospecter et sélectionner un ou deux appels à résidence, d’en étudier la demande, de concevoir le cas échéant un projet adapté et de répondre à l’appel ;

- de construire une exposition collective de restitution à la fin du semestre dans la salle d’exposition de la Maison des Arts ou avec un lieu partenaire (FRAC MECA, etc.) ;

- de prendre part, le cas échéant et ponctuellement, à l’une des actions de recherche du moment (colloque, journée d’étude ou phase de terrain). L’évaluation adopte les mêmes critères qu’en M1.

- de commencer à préfigurer la production du « grand projet » de création du second semestre.

Évaluation, comme au S1 et S2, à partir d’une méthode progressive de notations intermédiaires.

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Le cours d’espagnol ne s’adresse pas à des débutants. Il faut déjà connaître les bases de la langue afin de pouvoir comprendre et s’exprimer.

Le cours proposera, d'une part, la découverte de pratiques artistiques diverses observées dans le monde hispanique (Espagne et Amérique Latine) ; d'autre part, il visera à renforcer le niveau de langue des étudiants, en leur fournissant les outils linguistiques nécessaires pour s’exprimer et mettre en avant leurs propres compétences et pratiques face à des locuteurs hispanophones.

La clase de español no es para principiantes. Hace falta conocer las bases de la lengua para poder entender y expresarse.

La clase propondrá, por una parte, el descubrimiento de prácticas artísticas diversas observadas en el mundo hispánico (tanto en España como en América latina) y, por otra parte, el trabajo en clase tendrá el objetivo de mejorar el nivel de lengua de los estudiantes, transmitiéndoles las herramientas lingüísticas necesarias para que puedan expresarse y destacar sus propias competencias y prácticas frente a locutores hispanohablantes.

Contrôle des connaissances : Les modalités d'évaluation consisteront en une moyenne de deux notes : une note d'oral (exposé et participation) et une note d'écrit à partir d'un devoir sur table. Le travail fourni tout au long du semestre sera pris en compte, quel que soit le niveau en espagnol des étudiants, à condition qu'ils ne soient pas débutants.Las modalidades de evaluación consistirán en una promedio de dos notas: una nota de oral (ponencia y participación) y una nota de escrito a partir de un trabajo en clase. Se tomará en cuenta el trabajo realizado a lo largo del semestre, cualquiera que sea el nivel en español de los estudiantes, con tal que no sean principiantes.

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Ce séminaire de M2 expose des travaux de recherches croisant histoire et théorie de l’art, esthétique et philosophie. Certaines années mettent davantage l’accent sur une dimension théorique, d’autres sur un objet singulier. En 2022-2023, nous tenterons d’aborder à nouveaux frais la question des pierres comme problème esthétique et philosophique, et ce en vertu de ce que nous croyons tenir comme un tournant minéral dans la pensée et l’art contemporains - ce qui ne nous empêchera pas de travailler sur des cas plus anciens (des marbres romains, aux paesine baroques, jusqu’au style minéral chez Cézanne…). Nous reviendrons peut-être alors, dans les prochaines années, à des questions plus transversales touchant à l’expressivité des formes - façon de poser quelques jalons théoriques pour une sorte de cosmologie esthétique ouvrant des circulations aussi improbables qu’intensives dans les stratifications naturelles (minéral, vivant, psychique).

Modalités d’évaluation : précisées en début de séminaire (le plus souvent un travail de lecture sous forme de compte-rendu critique).

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Séminaire sur l’art d’aujourd’hui

À la croisée de l’histoire, de la théorie et de la pratique, le séminaire d’histoire de l’art contemporain de Richard Leeman s’adresse aux étudiants de master et aux doctorants d’arts plastiques (le séminaire fait partie des formations de l’École doctorale Montaigne Humanités).

Il se tient le mercredi de 16h à 18h au CAPC de Bordeaux, 7 Rue Ferrere, salle de communication.

Le séminaire traite de l’art contemporain, des années 1990 à nos jours, et s’appuie pour partie sur les collections et les expositions temporaires du Capc ainsi que sur des invitations ponctuelles d’artistes, de critiques, de commissaires, de collectionneurs, de chercheurs.

Le parti-pris du séminaire consiste à parler d’une œuvre singulière, à partir de laquelle l’analyse et le commentaire pourront se déployer. Avec l’ambition de contribuer à une histoire de l’art de ces vingt dernières années. A partir de l’automne 2022, le séminaire entre dans un nouveau cycle de trois ans consacré à la question de la peinture des années 1990-2010. Le blog https://leemsem.hypotheses.org/ se propose de prolonger les réflexions et débats menés au cours du séminaire par des billets, chroniques, commentaires, critiques, et de mettre à disposition des informations sur les manifestations et publications relatives aux sujets abordés.

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Le séminaire est ouvert aux étudiants non plasticiens (hors arts plastiques), en fonction logiquement de sa thématique très large, afin de fédérer plusieurs énergies de recherche et de  favoriser de nouvelles méthodes de travail (voir compétences et syllabus ci-dessous).

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Recherche création, modèles expérimentation

Chaque année, comme en M1, le séminaire évolue et se transforme selon les évolutions de nos travaux de recherche. Dans le contexte actuel des réflexions nombreuses sur le statut de la recherche en arts, nous nous proposons de resserrer les travaux menés en Master 1 autour d’un nœud problématique : la production artistique réalisée dans le cadre de protocoles de recherches (souvent menée collectivement) a un statut particulier qui n’est plus tout à fait celui d’une œuvre d’art. Aussi, comment penser ces objets spécifiques ? Comment exploiter ce potentiel pratique que possède le plasticien qui contient le savoir inhérents aux gestes de création ? A partir d’un diagramme destiné à permettre de situer différentes typologies d’artistes, de chercheur, d’artiste chercheur, etc. et différentes natures des objets qu’ils produisent, le séminaire est donc porté par un ensemble de considérations d’ordre épistémologique (quelle méthode adopter, comment situer ces activités de recherche dans le contexte de la recherche expérimentale académique ? Comment faire valoir une recherche-action ? Quelles traces et quels outils laisse-t-on ?). Mais il tente aussi de revenir sur un ensemble de composantes qui se sont dégagées d’une approche d’ordre écologique et mésologique, usant de sources et de références telles que J. v. Uexküll, K. Basso ou E. Khon. Ce séminaire s’emploie à exploiter des travaux en cours et notamment à partir de certaines expériences conduites dans le cadre du projet Moby-Dick.  Le séminaire est, comme en master 1, évalué à partir d’une présentation d’une table de recherche élaborée par l’étudiant.e à partir d’un des axes proposés pendant le semestre. Ce séminaire implique une fois de plus les étudiant.e.s dans des protocoles de recherche spécifiques en cours (workshop, phases de terrain, publication, etc.).

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L’étudiant·e choisit dans l’offre de l’école doctorale un séminaire d’ouverture. Les volumes horaires peuvent varier en fonction des propositions. L’objectif est d’ouvrir le champ des savoirs de l’étudiant·e à des horizons transdisciplinaires et de le ou la familiariser avec les logiques de recherche en sciences humaines.

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Ce semestre de pratique artistique est exclusivement dédié à la préparation et à l’accompagnement du « grand projet » de création conçu par l’étudiant.e.

Prenant appui sur l’ensemble des compétences acquises au cours des trois semestres précédents, chaque étudiant.e organise sa production, ainsi que la scénographie et la valorisation de son projet.

L’évaluation se fait autour d’une soutenance devant un jury en fin de semestre. Le cas échéant, le projet peut aborder des problématiques intimement liées au mémoire de recherche.

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Ces heures de cours sont dédiées au travail de restitution du projet conduit au S3.

Il doit ainsi permettre à chaque étudiant.e de maîtriser le travail de valorisation de la recherche en arts. Les formes de restitution possibles étant variées, publication, exposition, livre d’artiste, conférences, toutes ayant pour vocation d’intégrer un travail d’analyse des enjeux.

Dans certains cas, les publications peuvent prendre appui sur la collection « Un.e artiste / des étudiant.e.s ».

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Le mémoire constitue le noyau dur de la formation. Il permet d’expérimenter et d’attester des bonnes aptitudes à mettre en pratique un projet de recherche en arts tout en ayant une bonne connaissance de l’environnement professionnel du monde culturel.

Le mémoire de master 2, généralement composé d’environ 200 000 signes (une centaine de pages), a pour vocation de développer les objets et méthodes de recherche défini en M1. L’étudiant.e est encadré.e par une ou un directeur de recherche attribué sur la base du projet de l’étudiant.e et adapté à la méthodologie qu’il ou elle souhaite mettre en œuvre : approche plasticienne, en esthétique, en science de l’art ou encore en histoire de l’art.

La liste des enseignantes et enseignants chercheurs susceptibles d’encadrer les mémoire se trouvent à l’adresse suivante : https://www.masterarts.fr/enseignements/

 Il s’agit de :

• Savoir choisir un premier thème de recherche en arts, et le transformer en un véritable sujet, par une problématisation poussée ;
• Analyser les documents nécessaires à sa propre recherche, en faisant la différence entre une information toute faite et une culture personnelle ;
• Maîtriser la production écrite d’un texte théorique (au sens des sciences humaines), sous la forme d’un mémoire de recherche d’une trentaine de pages en M1, d’une centaine de pages en M2, donnant lieu à soutenance devant jury.
• Être à même d’exploiter ses propres expériences de création comme outil moteur expérimental analytique de recherche, non pas pour faire un travail de recherche sur son propre travail, mais avec.

 L’évaluation se fait sous forme de soutenance devant un jury et peut être intimement lié au « grand projet » de création artistique.

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Séminaire de l’unité de recherche ARTES – 9h CM

Modalités : Ce séminaire de Master 2, adossé à la nouvelle unité de recherche autonome ARTES, concerne désormais tous les parcours en arts de ce niveau (arts plastiques, cinéma, musique, théâtre). Il regroupe tous les étudiants concernés par ces Masters, ainsi que les agrégatifs d’arts plastiques, les doctorants, les docteurs, les chercheurs associés, et bien entendu les enseignants-chercheurs eux-mêmes.

Chaque premier mardi de chaque mois du second semestre, il propose ainsi 3 séances régulières, avec 2 interventions de 45 mn par séance de 3h (en équilibrant de préférence entre enseignants-chercheurs et doctorants, entre invités extérieurs et intérieurs), portant sur une même thématique sur 3 années (voir ci-dessous). Autant d'éléments qui doivent permettre d'approfondir réellement une question, passée au « prisme » de toutes nos disciplines artistiques et esthétiques. Les communications sont ensuite publiées dans les Cahiers d'Artes.

Les modalités d'évaluation consistent en un exercice de synthèse en 500 mots, résumant les communications des 3 séances, à partir d'une notion-clé librement choisie par l'étudiant (à rendre à la fin des cours du second semestre).

 Nouveau thème à partir de 2022 : sera définitivement fixé le 16 novembre prochain.

 Séminaires précédents :

« Où est l'artiste ? » (2004-2006), publié dans Les Cahiers d'Artes, n°3, Presses Universitaires de Bordeaux, 2007.

« L'effet de réel » (2010-2012), publié dans Les Cahiers d'Artes, n°10, PUB, 2013.

« Écriture et création » (2013-2015), publié dans Les Cahiers d'Artes, n°12, PUB, 2016.

« Les rythmes en arts » (2016-2018), publié dans Les Cahiers d'Artes, n°14, PUB, 2019.

« L’art d’interpréter l’art » (2019-2021), à paraître dans Les Cahiers d'Artes, n°XX, PUB, 2022.

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