Master 1 Approches historiques et socioculturelles du cinéma

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Culture et vocabulaire appliqué au design : exercice de pratique, lecture, énonciation

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Quand le cinéma parle de lui-même :

Rites et plaisirs de la répétition et de l’auto-contemplation

Ce cours interroge les modalités selon lesquelles le cinéma met en scène sa propre existence et ses propres codes. Nous analyserons l’articulation entre fascination, reconnaissance et nostalgie, en mobilisant les notions d’intertextualité, de métafilm et de transmédia. Une attention sera portée au plaisir du spectateur spécialiste et à la fascination pour la technique cinématographique. Le plaisir de la panne et l’esthétique de la catastrophe seront envisagés comme des figures récurrentes de cette autoréflexivité. Enfin, une réflexion sera consacrée aux logiques transmédiatiques et à l’exemple de Disney, où s’articulent nostalgie, réemploi et patrimonialisation.

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A partir de l’analyse d’un certain nombre de films et des formes qu’y prennent lieux, espaces et paysages, ce séminaire questionnera la relation entre Histoire et mémoire (individuelle et collective). Ce faisant, il s’agira d’une part de considérer comment un film peut mettre en jeu un lieu spécifique, ou un espace spécifique, dans son épaisseur temporelle, et le rôle confié aux images d’archives dans ce sens. D’autre part, on s’attachera à examiner ce que peut apporter, dans une perspective d’histoire culturelle, le fait de s’intéresser aux films sous cet angle. Quels lieux et espaces choisit-on de filmer ? Comment, et pourquoi ainsi ? Quels glissements d’images et d’imaginaires les films rendent-ils alors sensibles ? Comment les analyser ? 
Ces questions seront abordées aussi bien à partir de films documentaires que de fictions, ce qui permettra également de revenir sur la frontière souvent poreuse entre les deux registres. 

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Intervenants de l'Ina

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« Un jour les rides et les bouffissures, sans cesse réduites par les instituts de beauté, seront ineffaçables. La star livrera son ultime combat, à la suite duquel elle devra se résoudre à cesser d’être amoureuse, c’est-à-dire d’être jeune, belle, c’est-à-dire d’être star. » écrivait Edgar Morin en 1957 dans le premier ouvrage consacré entièrement aux Stars. Alors que le vieillissement des sociétés occidentales s’accroît, il accède à une visibilité médiatique nouvelle, omniprésente, en lien avec le vieillissement des baby-boomers, génération définie plus que toute autre par les valeurs de la jeunesse. De fait, les stars, comme agents et symptômes d’une dynamique de négociation symbolique (Dyer, 1979) problématisent le vieillissement, sa gestion médiatique et ses représentations. Dans une perspective diachronique, nous prendrons plusieurs exemples de stars du cinéma français, en dialoguant avec les exemples canoniques hollywoodiens, pour cerner leur rôle, tant au niveau de la production que de la réception, dans la construction et la perception du vieillissement tout particulièrement à l’époque actuelle où les subversions des normes de l’âge se font plus nombreuses.

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Ce cours est consacré aux auteurs qui ont marqué ce tournant de l’industrie et de la création hollywoodienne entre la fin des années 1960 et la fin des années 1970. Au-delà des figures les plus connues dont l’œuvre se poursuit bien au-delà de cette période de rupture (Scorsese, De Palma, Coppola) ou de ceux qui amorcent le virage vers un cinéma à grand spectacle qui s’épanouit à partir des années 1980 (Lucas, Spielberg), on s’intéressera à des auteurs comme Dennis Hopper, Norman Jewison, Arthur Penn, John Schlesinger, Alan Pakula, Sidney Pollack ou Robert Altman, parmi beaucoup d’autres. L’approche, à la fois culturelle et esthétique, abordera la représentation des figures de rebelles, de la jeunesse entre marginalité et conformisme, du polar urbain, de l’hybridation des genres entre polar et fantastique, du thriller complotiste ou encore du film choral.

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Ce cours proposera une réflexion sur la dynamique de l’association en analyse filmique, entre comparaison, circulation et transformation. Rapprocher, associer et confronter les films et les extraits construit une pensée de « l’avec », une analyse de films comme pratique du montage et du découpage qu’il s’agira d’interroger, en mettant en exergue les écueils méthodologiques de cette approche comme sa puissance heuristique. Ainsi nous mettrons en évidence la manière dont l’analyse de film doit aussi s’entendre comme pratique, une création en puissance, qui devient geste d’expérimentation éclairant la pensée du cinéma et la transformant.

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Dans la plupart des cas, un film ne trouve pas seulement son public dans le pays qui l’a produit mais aussi ailleurs : quelles sont alors les modalités de son appropriation par les spectateurs, les médiations nécessaires, les processus d’acculturation à l’œuvre ? Le séminaire abordera ce champ de questionnement en examinant les modes de réception et circulations interculturelles des films, et ce dans le contexte spécifique du cinéma d’animation.

Après un cadrage théorique et méthodologique, les étudiant-e-s seront amené-e-s à travailler, individuellement ou en petits groupes, sur certains cas choisis ensemble, à l’élaboration concrète de matériel de médiation visant à accompagner la découverte de films d’animation « d’ici » à des spectateurs venus « d’ailleurs ». 
En fonction des différentes langues et cultures dont les étudiant-e-s de la promotion seront familier-e-s, il s’agira par ce biais de comprendre comment appréhender le cinéma, de façon à la fois théorique et appliquée, à partir des « écarts » culturels.

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S’inscrivant dans le prolongement direct de celles du semestre précédent, les séances de méthodologie prennent désormais la forme d’ateliers animés par les étudiants eux-mêmes : chacun.e expose l’état de ses travaux, ses difficultés, ses perspectives, afin de donner lieu à des moments d’échange et de réflexion collective autour de son propre sujet. C’est là l’occasion de mettre à l’épreuve la validité de ses hypothèses de travail et la clarté de son argumentation.  S’inscrivant dans le prolongement direct de celles du semestre précédent, les séances de méthodologie prennent désormais la forme d’ateliers animés par les étudiants eux-mêmes : chacun.e expose l’état de ses travaux, ses difficultés, ses perspectives, afin de donner lieu à des moments d’échange et de réflexion collective autour de son propre sujet. C’est là l’occasion de mettre à l’épreuve la validité de ses hypothèses de travail et la clarté de son argumentation.  

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Qu’est-ce que la génétique des manuscrits ? Comment cette discipline issue des études littéraires trouve-t-elle à s’appliquer aux études cinématographiques ? Il s’agira dans ce cours de ne plus penser le film comme une œuvre, mais comme un processus. De ne plus envisager le cinéaste comme un auteur mais comme un filmeur qui travaille avec de nombreux collaborateurs. Nous nous pencherons ce semestre sur toute la diversité des documents qui peuvent se trouver à disposition du chercheur pour étudier la genèse d’un film. Proche de l’historien, le généticien explore les archives du cinéma : manuscrits, documents de production, mais aussi pellicule, rushes, copies. La fabrique des films permet aussi d’envisager tous les mondes possibles ouverts au moment du projet (Daniel Ferrer), le film fini est une possibilité au milieu de multiples alternatives. La spécificité du cinéma est sans doute de parfois produire des œuvres bancales qui sont le fruit de nombreux compromis, d’un contexte particulier (Sylvie Lindeperg). Ce cours voudrait propose de traverser l’histoire de quelques-uns de ces projets les plus emblématiques.

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Complexe, la réception des films implique la notion de goût et met au jour les interactions constantes entre les formes audiovisuelles et ses publics. Ce séminaire cherchera à donner, à travers quelques textes théoriques, des outils méthodologiques pour appréhender la réception des films. Nous nous appuierons notamment sur l’ouvrage de Laurent Jullier, Qu’est-ce qu’un bon film ?, pour comprendre comment sont utilisés différents critères de goût dans la réception, que ce soit celle exercée par les critiques ou par les publics. Nous reviendrons sur le poids de la notion de culture légitime, qui désigne le processus par lequel certaines formes culturelles sont reconnues et appréciées plus que d'autres. Enfin, la notion de Codage/Décodage de Stuart Hall permet de saisir la différence entre le message codé qui est envoyé par un film et la manière dont il est interprété et décodé par le spectateur. Les spectateurs sont libres d'interpréter un film à leur manière, mais leurs interprétations peuvent être influencées par leurs propres expériences et leurs propres cadres de référence culturels, facteurs qui renouvellent sans cesse la réception d’un film à travers le temps.

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À partir d’une réflexion sur la problématique de l’intertextualité dans le champ des arts et de la littérature, on s’intéressera plus spécifiquement à ses manifestations dans le domaine du cinéma de fiction, des séries et du documentaire au travers d’une typologie des formes intertextuelles et d’une analyse de diverses formes de réécritures filmiques, de citations et de remakes.

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Analyser la présence des témoins d’une part et la notion de témoignage, à l’écran, d’autre part nous donnera l’occasion de découvrir des cinéastes et films surtout dans lesquels le/la témoin est filmé pour ce qu’il ou elle est, dit, vit. Croiser cette étude des témoins présents dans des films très divers avec le principe même du témoignage – qui n’implique pas forcément un « témoin » – permettra de continuer à découvrir et comprendre le cinéma dans une part sans doute ontologique de sa nature même qui est celle de la transmission du réel par le récit. Sans être tout à fait exhaustif, des cinéastes parmi lesquels Ophuls, Guzman, Neumann, Mograbi, Panh, Lanzmann ou Des Pallières sont abordés dans ce cours.     

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Pratique écrite et orale de l'anglais dans le domaine de la communication publique et politique.

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 Séminaire d'accompagnement entreprenariat et insertion

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